Aunque no es más que otro componente anecdótico que hemos podido advertir en las diez exposiciones celebradas sobre Aurelio Suárez desde que falleció, resulta curioso que los ‘cielos’ de sus pinturas son casi siempre azules, como puede comprobarse estos días en el Museo Antón de Candás y en la galería gijonesa Cornión. Cielos azules, alma de niño y espíritu irónico para un pintor enigmático.

En uno de los capítulos de su conocido volumen ‘Después del fin del arte’, el filósofo y crítico de arte Arthur Danto repasa los trabajos de los maestros posthistóricos Vitaly Komar y Alexander Melamid, emigrados a Estados Unidos desde la vieja Unión Soviética, que lograron obtener cierto éxito en el Nueva York de los años ochenta. Komar y Melamid, entre otras cosas, analizaron el mercado artístico para tratar de encontrar «un arte del pueblo», o sea, una clase de arte que la mayoría de las personas quisiera contemplar. Para ello, desarrollaron una exhaustiva encuesta cuyos resultados fueron calificados de «estadísticamente exactos».
Entre otras curiosidades, su estudio señalaba que el color azul era el más atrayente para la población mayoritaria y que esa atracción descendía al aumentar el nivel de instrucción de los encuestados. Además, el interés general por el color negro aumentaba al descender los ingresos.

Con esos y otros datos, Komar y Melamid diseñaron su ‘American’s Most Wanted’, una pintura que contenía todas esas cualidades preferidas por el público, incluyendo un paisaje con agua y árboles, varias figuras (entre ellas, la de George Washington, el personaje más querido por los encuestados) y algunos animales salvajes ubicados en un paisaje con dominante azul. El cuadro representaba aquello que desea la gente que «no sabe mucho de arte pero sabe lo que quiere», lo que Danto denomina «un universal estético a priori», o dicho de otro modo, «lo que cualquiera piensa cuando piensa sobre arte». Con otras palabras: el concepto de arte más popular responde a la formación recibida a través de las imágenes de los almanaques.

Pese a la habilidad performativa de sus creadores, el cuadro no gustó demasiado y el experimento resultó un poco cómico. Pero es curioso que, en los albores del siglo XXI, cuando algo se desvía de los arquetipos preferentes o de los universos mediáticos la mayor parte del público responde que eso no es arte.

En el panorama artístico de nuestros días, plagado de propuestas, es difícil proyectar un centro de arte actual que resulte convincente. A la abundancia de museos, ofertas expositivas y eventos paralelos se unen numerosos problemas derivados de la financiación, gestión, organización y difusión de los programas, que en ciertas periferias tienen más dificultades que en otras para labrarse un futuro con garantías.

Por eso y porque la mayoría de los asturianos que amamos el arte deseamos su éxito, seguimos dando confianza a LABoral Centro de Arte y Creación Industrial. No ha cumplido año y medio de vida y, por tanto, todavía merece nuestros votos. El problema es que está consumiendo un gran presupuesto público y privado que sus responsables consideran insuficiente y es tremendamente superior a los que hasta ahora se movían en el arte actual de nuestra bendita región, que necesita con urgencia más guión que decorados.

Hoy por hoy, en este centro están puestas nuestras mayores esperanzas. Sin embargo, los primeros pasos han mostrado altibajos, con un potente impulso hacia el ‘glamour’ ceremonial y los grandes decorados, pero con guiones de moderado interés y de escasa singularidad. Su directora, Rosina Gómez-Baeza, lleva varios meses exhibiendo las cifras de visitas y de producciones, tratando de justificar el interés del proyecto. Y en su deseo de erigirse en referencia, suele ofrecer una confusa mixtura de datos que, sin ser falsos, son manipulables y pueden generar lecturas muy dispares.

Los grandes logros culturales deben realizarse a largo plazo, pero la dura realidad es que LABoral no está calando como debe en la sociedad asturiana, ni en la cultura nacional, ni en el arte internacional. Su programación se nutre de caminos emprendidos por otros espacios, teniendo al ZKM de Karlsruhe (Alemania) como guía espiritual y a otros organismos colaboradores (MedialabMadrid, Fundación Telefónica...) como alimento cotidiano. En ese empeño, mi querida Gómez-Baeza denomina ahora al centro "LAB" a secas, tratando al menos de abrazar semánticamente esa singularidad aún lejana. Pese al atractivo de algunas piezas de las exposiciones temporales y al importante esfuerzo económico dedicado a su diseño y montaje, LABoral adolece de una comunicación más fluida y de una equilibrada síntesis expositiva, entre otras cosas.

Ningún amante del arte comprometido con los tiempos puede obviar cualquier disciplina, entre otras cosas, porque no es preciso. Es perfectamente factible disfrutar la cultura en cualquier soporte, formato o técnica que aporte algo sensato. La falta de respeto por las calidades es habitual entre quienes no saben apreciarlas.

Hace unos días, en una discusión llena de manchas, un artista con panza de cuyo nombre no quiero acordarme volvía a proclamar la muerte de la pintura, desempolvando para ello toda suerte de citas filosóficas, en defensa de una modernidad mal entendida. Es curioso que hoy, cuando el panorama internacional sigue poblado de huellas genuinas en todos los campos artísticos (pintura, escultura, dibujo, fotografía, video, instalación, ‘performance’, arte electrónico, ‘net-art’...) tengan que ser los pintores quienes sufran mayores dificultades para manifestar su pasión al medio, por miedo a ser tachados de retrógrados. Creíamos que ese absurdo debate se había agotado, pero aún siguen fluyendo aquí y allá muchos iluminados que desprecian lo que desconocen.

A veces, ante ciertas falacias, uno prefiere abstraerse del espectáculo y seguir adelante, investigando la cotidianidad de los talleres de algunos artistas cercanos y, descubriendo, cada día, nuevas emociones en sus trabajos. De nuevo (que el lector me perdone la insistencia) recomiendo aquí los escritos de Leonardo da Vinci, uno de cuyos ensayos (‘La defensa de la pintura’) comienza afirmando la más útil de las ciencias como «aquella cuyo fruto sea más comunicable», y concluye señalando como infinita «la obra que los ojos proporcionan a las manos». También dice el genio, entre otras cosas, que la obra del artista representa siempre la Naturaleza y que, por tanto, el que denigre la pintura «carecerá de sentimiento artístico» y estará «denigrando a la Naturaleza».

Algunas partes del texto tienen menos interés porque abordan conceptos metodológicos ya superados. Pero sus tesis también abordan la alteridad y los problemas identitarios del hombre contemporáneo, incluso su conflictiva relación con el paroxismo tecnológico de su tiempo, mirando hacia el futuro. Las palabras de Leonardo, cuando trata de demostrar la valía de la pintura, no precisan teorías complejas. Y es que su rotundidad argumental, por aquello de la sencillez, no es apta para los fantasmas.

Duchamp siempre supo compaginar su espíritu irónico y su capacidad crítica, proyectando una imagen de ‘artista total’ que confundía al público tanto como le apasionaba. En el fondo, era un idealista genial, capaz de romper moldes con una simplicidad asombrosa mientras desarrollaba sus propias teorías. Cuando afirmaba que «arte es lo que el artista llama arte», o que «el arte tiene por costumbre cargarse todas las teorías artísticas», estaba destrozando con rotundidad cualquier dogma estilístico.

La palabra "arte", al margen del diccionario, ha sido aplicada a lo secreto, lo placentero, lo tangible o lo sensitivo y prostituida, también, con lo vulgar, lo comercial, lo elitista o lo mimético. Ha sido y sigue siendo arma política, fuente de luchas filosóficas y de vanidades sociales; ha derivado entre lo físico y lo psíquico, entre lo abstracto y lo concreto, entre el pasado y el presente, y ha sido, en fin, objeto de infinitos estudios que, desde Platón a Umberto Eco, no han logrado aún plasmar su significado ni su significante con carácter eterno.

Si los eruditos no logran sintetizar el término poco se puede exigir al gran público. Por eso, quizás, estamos en un momento social donde casi todo parece ser válido artísticamente; desde la venta banal a la estafa decorativa, desde los excesos conceptuales al hastío representativo y desde la palabrería partidista al discurso demagógico.

Pero los especialistas, al menos, han dejado claro que la investigación y el respeto al pasado desde un presente innovador son esenciales para la creatividad. No caben, pues, las actitudes de algunos pseudo-artistas o de los responsables de ciertos centros, certámenes, galerías e instituciones, que se atreven a cometer numerosas atrocidades estéticas en nombre de la palabra arte y, para colmo, exigen el abrazo favorable de los medios de comunicación, cuya actividad consideran tan servil como carente de ética.

En ese sentido, los profesionales debemos basarnos en la honestidad, desde el conocimiento y la experiencia directa con artistas y obras lo que, por definición, conlleva algunos ingredientes subjetivos. Bajo esas premisas no caben los abrazos sibilinos, los amiguismos ni las palmaditas en la espalda; sólo aquellas personas y espacios que muestran un trabajo personal sin perder el norte, sin lujos, sin adornos, pero con garantías comprometidas con los tiempos.

Hay movida en las Islas Afortunadas, tras la dimisión de los comisarios de la 2ª Bienal de Canarias. En los últimos días la prensa nacional se ha hecho eco de varias noticias paralelas al evento. Me parece interesante repasarlas y recoger aquí la carta de dimisión de Octavio Zaya, que explica muchas cosas sobre el qué y el cómo se desarrollan los grandes macroproyectos en distintos lares.

Os paso dos enlaces y, si hay alguien con interés en debatir educadamente y no sólo en entablar guerras y miserias de carácter personal, podemos comentar ese asunto y otros muy similares.

http://e-sevilla.org/index.php?name=News&file=article&sid=2130

CARTA DE DIMISIÓN: http://www.canarias7.es/pdf/docs/dimisionzaya.pdf

Decía Ernst Gombrich que la fuerza de las convicciones subjetivas no es una garantía que nos libre de cometer errores. «La búsqueda de una actuación objetivamente correcta puede conducir a una conclusión mortalmente mecánica», escribía el conocido historiador austriaco, «Sería una conclusión desprovista de significado, al igual que un exceso de subjetividad puede borrar la creación a la que pretende servir» .

Pero, en esas tareas, tampoco debe olvidarse la intuición. Esa capacidad oculta, emotiva y personal, que aliñada con cierta disposición íntima, con implicaciones y con distanciamientos, nos permite emocionarnos sin razón aparente. Sin misterio no hay arte y, por ello, no hay arte más puro que el que se brinda de forma espontánea. Como los dibujos infantiles, que acarician nostalgias adultas, ecos de esa etapa feliz donde todo lleva el cuño de lo ingenuo. Los niños, en sus trabajos, patentan esas inagotables ganas de gozar el presente intuitivo mediante miradas, trazos espontáneos, colores que plasman vivencias familiares o figuras cuyo tamaño no depende de perspectivas, sino de la fuerza del cariño.

Ojos que se fruncen frente a las injusticias o se llenan de lágrimas, descubriéndonos la auténtica pureza retenida en un gesto. Creación esencial, lejos del discurso erudito, para beber la vida como recién nacidos. Voluntad de ir hacia el infinito y, si es posible, no llegar allí nunca, para perpetuar el grato instante de seguir caminando.

Cuando pintan sus primeros papeles, algunos niños lloran frente a esa extraña sensación que les produce mojarse las manos con pintura. Su primera reacción es, a veces, contradictoria, y tratan de limpiarse. Pero pronto sienten el placer de fundir color, saliva y manos. Luego, se ‘comen los colores’, llenando el espacio de sensaciones, dejando que la forma genere el contenido, descubriendo su mundo y comunicando poco a poco. Hablando, en fin, sin palabras.

Algunos analistas creen que contenido y forma son antinomias artísticas. El contenido, desde una perspectiva filosófica, se definiría como aquello que se quiere expresar; la forma, la manera de expresar tales contenidos. Lo mismo ocurre con la emoción, que me parece una palabra más bonita. Quizás deberíamos escribir menos y, en silencio, observar las reacciones emotivas de un niño frente a la vida, ese papel de blanco inmaculado. Lo entenderíamos todo, sin tantos matices.

No sabía yo, como he leído por aquí, que la mayor o menor extensión de una opinión definía la valía de su contenido. Pero eso me recuerda algunas reflexiones interesantes, sobre las relaciones entre la calidad y el tamaño de las obras de arte.

En las artes visuales, concretamente, la relación entre la calidad y el tamaño de las piezas ha derivado muchas veces es supuestos erróneos que, sin embargo, hoy siguen siendo dogmas inviolables para establecer baremos. Así, por ejemplo, los precios de los cuadros varían en función del formato o los materiales empleados, y, como sabéis, para un mismo pintor el óleo es más caro que las ceras y las telas más que los papeles, lo cual no siempre sigue criterios estético-espirituales. Los planteamientos son fruto de esa necesidad que obliga a ajustar de alguna manera los precios en las ventas. Pero el asunto llama bastante la atención porque con frecuencia lo bueno llega, contra pronóstico, en los bastidores pequeños.

Benedetto Croce, una de las figuras más eminentes de la filosofía contemporánea, afirmaba en sus estudios la imposibilidad de graduar las obras de arte. Decía, entre otras cosas, que “la gradación, la determinación cuantitativa, no logra el fin que se propone, de distinguir los valores de las obras y constituir órdenes de dignidad”. Aludiendo a la poesía y las artes en general, el erudito italiano tenía muy claro que no se pueden tratar esta clase de diferencias, sino distinguir las obras que son verdaderas y las que no. “Estas obras”, señala, “son las que necesitamos distinguir de las primeras, calificándolas como obras de segundo, tercer o cuarto orden, juzgándolas de interesantes, decorosas y bien hechas, pero no de geniales, ideales, bellas, serenas, vivas ni originales. No se trata de diferencias cuantitativas, sino cualitativas”.

No tiene sentido, por tanto, mantener absurdos debates entre formalistas o conceptualistas, abstracciones o figuraciones, austeridades y ornamentos, narratividad o minimalismo. Al margen de baremos sociales, lo que permanece inalterable en nuestras retinas son cosas como la "belleza" que, por supuesto, tiene múltiples connotaciones. Y puede ser igualmente intensa en un enorme mural o en el rincón más ínfimo de un pequeño grabado.

Todo intento de encasillamiento se desvanece cuando la historia produce, de vez en cuando, obras de arte.

Parece que, tras las últimas polémicas, este blog se ha quedado mudo. A lo mejor es la resaca de las fiestas recientes...

Pero uno empieza a sospechar que la temática planteada en cada post es lo de menos. Parece que cuando el debate se anima es porque alguien desea pelear consigo mismo, o conmigo, o con un vecino que conoce o que odia, al margen del asunto que planteamos. Es bueno que algunos internautas aporten aquí otras ideas, siempre que lo hagan con respeto. Incluso que delaten sus propias ambiciones, sus envidias o sus fantasmas, aunque entiendo que para eso hay mejores espacios que éste. Gracias a El Comercio, hoy cada cual puede tener su propio blog, al margen de los que dirigimos los colaboradores habituales del periódico.

De todos modos, seguiremos planteando debates sobre arte contemporáneo, porque hay suficientes temas de interés para tratar, al margen de insultos o polémicas escasamente fructíferas.

Como la exposición Arte AlNorte, que presentamos hace diez días en el Palacio Revillagigedo. Está teniendo una gran acogida de público y de crítica, y no sólo en esta casa, que la defiende por razones obvias. Así, nos llegan buenas vibraciones de otros lares, incluso de otras "casas" que niegan la existencia de la exposición por aquello de las luchas mediáticas. Pero como soy consciente de que muchos seguidores de este blog habéis visto ya la muestra y tendréis cosas buenas y malas que aportar, os animo a intentarlo. De nuevo.

Como ya sabréis, la exposición ‘Arte AlNorte’ en el Centro Cultural Cajastur Palacio Revillagigedo se inauguró el pasado jueves, con un repaso a los seis años de la Semana Nacional de Arte Contemporáneo de Asturias y 27 propuestas artísticas de 29 autores. La muestra reivindica las calidades, sin más tesis de partida que un origen común (la obtención de las becas AlNorte de EL COMERCIO) y el interés por lo bien hecho. Las obras alternan dibujo, instalación, fotografía, pintura, escultura, sonido, obra gráfica y videoarte, sugiriendo reflexiones que confluyen con las múltiples naturalezas que habitan el arte actual.

Tal es el caso de algunos fotógrafos, como Soledad Córdoba, que continúa fiel a un arte casi terapéutico, partiendo del intimismo y la seriación del fuerte impacto de ficción que caracteriza sus cuidadas escenografías. O la renovadora fuerza de Ruth+Erre, con estudiados efectos compositivos que hablan de un paisaje repleto de connotaciones metafísicas. O las alusiones a la soledad, el cuerpo femenino y las referencias kafkianas de Rebeca Menéndez. O las líricas historias de Noé Baranda, con ausencias y presencias inspiradas en los lejanos paisajes de Carelia. O los horizontes y las fronteras brumosas, casi abstractas de Benjamín Lebrato, que analiza los límites entre el arte y la vida mediante sus horizontes y fronteras azuladas.

Instalaciones
Mucho análisis conceptual y grandes dosis de ironía marcan la oferta expositiva de los artistas que realizan instalaciones multidisciplinares. Entre ellos, Paco Nadie, que en otra sala oscura obliga a pensar acerca de la existencia, partiendo de la palabra y la reinterpretación de lenguajes, animando a leer entre líneas y sentir la estructura del silencio. O Alicia Jiménez, que articula una inteligente propuesta, armonizando naturaleza y tecnología (hierba, tierra, vídeo...) e incitando al espectador a penetrar en los misterios del arte. En este ámbito, la mordacidad de Pablo Iglesias no evita el dramatismo de su original propuesta, una habitación vacía y abandonada por un loco que ha huído en busca de un sueño. Una metáfora visual acerca de la enfermedad y el desencanto.

En definitiva, un conjunto complejo, para analizar despacio repasando también la evolución de cada artista, a través de la extensa documentación que acompaña a las obras expuestas.

La semana pasada se clausuró en el Edificio Histórico de la Universidad de Oviedo la exposición ‘¿Qué arte? Discursos sin fronteras’, que proponía una selección de artistas de reciente incorporación a nuestro circuito expositivo. Autores que, bajo una mirada joven y emergente, han ofrecido en la última década ejemplos de su buen hacer, ecléctico y multidisciplinar. Su tendencia a alternar las nuevas tecnologías (especialmente el electrónico y digital) con otras disciplinas más tradicionales (pintura, obra gráfica, escultura, fotografía, instalación, vídeo) es otra característica de esta interesante propuesta, cuyas tesis contribuyen al mejor conocimiento de esas opciones y orientan las miradas del público con nuevas lecturas, bajo un excelente montaje.

La exposición, que ha gozado de un generoso presupuesto (compartido por la Universidad de Oviedo, en sus celebraciones del cuarto centenario, y el Banco Sabadell) recoge los argumentos creativos habituales en nuestros días. Son hibridaciones y diálogos multidisciplinares, orientados a proyectar el arte actual, como los que suelen proponer en Asturias la Muestra de Artes Plásticas, que depende de la Consejería de Cultura, o la Semana Nacional de Arte Contemporáneo AlNorte, impulsada desde EL COMERCIO. Proyectos para el arte emergente.
Pero aún no son suficientes. La globalización y la abundancia de estímulos informativos son comunes a estos jóvenes, y también la dificultad para acceder al circuito privado, un grave problema que les impide vivir del coleccionismo y les lleva a ejercer tareas ajenas a la creación.

La obligación de inventar nuevas estrategias de desarrollo, autogestión y producción es otra premisa para estos artistas, sobre para todo aquellos verdaderamente válidos, aunque habiten la periferia de la periferia. Con ellos, hay quienes viven de la eterna limosna, subvencionados hasta la saciedad. Pero esos no son representativos del llamado ‘arte actual,’ que es una cosa muy seria y, por tanto, merece todo empuje posible.