Desde la Antigüedad Clásica a nuestros días el arte se ha venido desarrollando de la mano de las fuerzas políticas. En todos los periodos históricos, dirigentes y creadores han colaborado en proyectos comunes.

Los maestros impresionistas abrieron la veda al nacimiento del artista rebelde, y las vanguardias del siglo XX trataron de perpetuar la iniciativa. Parecía que, con excepciones, el arte había dejado de estar unido al poder y hoy, según tal progresión, su autonomía debería ser absoluta.

Pero, desde hace tres décadas, las burbujas económicas, la alienación de la sociedad y la fama excesiva de las grandes estrellas y espectáculos ‘culturales’ provocan nuevos servilismos.Salvo honrosas excepciones los artistas han perdido definitivamente la estela de la independencia que depende, en medidas más o menos variables, de los políticos, marchantes, empresarios, críticos y medios de comunicación.

Cuanto más reducida es una población más poderosos resultan sus caciques. En provincias pequeñas, ese efecto mariposa puede llegar a ser vergonzoso. Aquí, por ejemplo, deberíamos estar orgullosos de nuestros artistas, pero los ignoramos con frecuencia porque su ‘glamour’ suele ser insuficiente para destacar en fotos o titulares.

Eso se traduce en la triste escasez del mercado asturiano y en curiosas situaciones. Así, hay políticos que sólo alaban a los artistas cuando rugen aires electorales, y también artistas ‘politically correct’, especie habituada a arrimarse al poder, según necesidades. En el colmo de lo inaudito, contamos incluso con algún ejemplar de ‘políticoartista’, capaz de presentar sus propias creaciones en público, entre besos y abrazos. Así nos luce el pelo. Y no me pidan nombres.

«Es muy difícil hacer compatibles la política y la moral» (Francis Bacon)

En un ensayo acerca de la obra del creador norteamericano Dan Graham, el crítico de arte Jeff Wall argumentaba que la arquitectura es la forma artística determinante en nuestros días, porque influye más que otras en el comportamiento social. En relación con la estructura urbana y el contexto cultural, tales reflexiones plantean elementos de debate en torno al arte del siglo XXI, en un momento histórico donde todas las disciplinas creativas confluyen necesariamente.

La definición de la arquitectura como factor de comportamiento es el leitmotiv de muchos artistas, como Pablo Armesto, que ha instalado estos días en Candás "El Cabañu", fruto de la Beca Antón 2007. Creadores jóvenes y no tan jóvenes tienen muy claro que a través de la construcción se genera expresión y, por ello, admiran y aprovechan la fuerza de todo elemento de signo constructivo. Para Peter Osborne, catedrático de Filosofía Europea Moderna en la Universidad de Middlesex (Londres) y editor de la revista ‘Radical Philosophy’, el concepto de construcción es fundamental a la hora de acercar arte y urbanismo. Esa idea se debe proyectar hacia cualquier nueva experiencia para el espacio público.

Hoy nadie duda de la capacidad del arte público para articular respuestas, conferir significados estéticos y funcionales al contexto local y cargarlo de especificidad. El arte en la esfera pública debe satisfacer necesidades prácticas y específicas de las comunidades implicadas (diseñar equipamientos, señales, pavimentaciones, ajardinamientos, alumbrados, mobiliarios...) y también debe vincular las tensiones urbanas, creando lugares para la ciudadanía, asumiendo su eficiencia ecológica y abordando estos planteamientos en el marco de discursos críticos.

En Candás se celebrará en la primera semana de julio un simposio sobre arte público donde participarán agentes y colectivos para debatir algunas iniciativas realizadas en Asturias. Buena ocasión para corregir errores y fomentar estrategias comunes, mirando hacia el futuro.

Javier Victorero (Oviedo, 1967) ha inaugurado una nueva exposición individual en la sala Robayera de Miengo que estará abierta hasta el 27 de junio. Por este prestigioso espacio cántabro sólo habían pasado hasta ahora cuatro asturianos (Camín, Miguel Galano, Pelayo Ortega y Javier Riera) en una ambiciosa programación que acaba de cumplir veinte años con otras figuras como Tápies, Chillida, Baselitz, Juan Muñoz, Cristina Iglesias, Gordillo, Markus Lüpertz, Barceló, Jaume Plensa o Juán Uslé.

El reto es, pues, muy importante para Victorero, que lleva tres años preparando esta muestra que cuenta con un lujoso catálogo con textos de Santos Amestoy. Escribe este febril amante de la pintura que Victorero lleva mucho tiempo tratando de encontrar su ‘verdad’ y enamorándose de esa “tradición iluminista” que el crítico percibe en sus recientes lienzos. “Los nuevos recursos geométricos y los hallazgos espaciales”, dice, “deben su desarrollo a la prosecución en pos de aquel fulgor de la pintura que sólo se produce en el límite de la visibilidad. Pintura de otra luz, no es de extrañar que tenga escasos precedentes actuales”.

Pintura de otra luz, otras maneras e idénticas verdades que ya se advertían en la anterior exposición de Victorero donde los planos geométricos se transmutaban en música, porque este poeta de la luz compone melodías con sus azules, verdes, ocres, amarillos, rojos, blancos rotos y negros que cimbrean, entre compases armónicos, dudas, satisfacciones, miedos, sentimientos y vacíos mundanos. Ya cuando en 2004 ganó el Premio de la Junta General del Principado con Jardín para Boticelli con un hermoso lienzo amarillo-cadmio (“color de plenitud, luz y naturaleza”) sus lienzos evitaban todo azar para ordenarse pasionalmente, entre pinceladas, formas y signos abiertos a realidades constructivas y reivindicativas.

En Miengo cuelgan los frutos ya maduros de aquella siembra. Su obra actual, igualmente delicada, alterna la nebulosidad y la luminiscencia, evitando la ortogonalidad pero manteniendo el rigor estructural y las tensiones, proporcionando composiciones de un equilibrio tan sensato como difícil de traducir con palabras. Al margen de discursos dogmáticos, su obra demuestra, como señala Amestoy, que ni la pintura figurativa, si es verdaderamente pintura, se compone de imágenes, ni la (mal) llamada abstracta es menos figurativa que la del ilusionismo tridimensional. Pintura norteña, quizás, pero sobre todo pintura para pintores y miradas no superficiales, capaces de advertir el misterio y captar la eso que llaman ‘emoción estética’ que presupone, entre las muchas inquietudes del ser humano, una particularmente válida para sentir ante las obras de arte.

Dibujar sobre el espacio es la piedra filosofal de todo escultor comprometido con su tiempo, consciente de la dificultad de entender los vacíos para intervenirlos, generar diálogos y volcar reflexiones estéticas. Desde las vanguardias históricas y Julio González hasta las vibraciones informalistas y las espirales de Martín Chirino ha habido muchas generaciones de artistas cuya máxima ha sido armonizar sobriedad y contundencia mediante infinitas formas. Tras su estela, hoy siguen naciendo escultores que interpretan con elegancia la naturaleza y, apostando por la experimentación y las calidades, siguen proyectando emociones.

Tal es el caso de Diego Canogar (Madrid, 1966), que estos días presenta en la galería Amaga una variada exposición de esculturas y grabados para explicar su creciente evolución de los diez últimos años. Así, aporta varias series en hierro y acero cortén donde el vacío cobra tanta importancia como la propia materia, con superficies pintadas de negro que contrastan con las paredes de la sala avilesina provocando intensos juegos de luces y sombras.

Llama la atención la limpieza de ejecución de cada pieza que impulsa más, si cabe, esa febril aspiración dibujística. Varillas delgadas, tubos redondos, perfiles, fragmentos de chapa perforada y planchas de hierro con bocados circulares en disposición hexagonal sirven a Diego Canogar para cuestionarse sus planteamientos plásticos, recreando un sinfín de planos se entrelazan y analizan individual y colectivamente el conjunto expuesto. Estas esculturas, fruto de un buen oficio, desvelan su dominio de las escalas y sus enérgicas variaciones, que se prolongan también a la obra gráfica. Referencias orgánicas, estructuras encadenadas y volúmenes esféricos, en diversos formatos, que merece la pena contemplar.

No es casual la potente presencia del color negro en dos exposiciones que se inauguraron la pasada semana en las galerías Vértice y Cornión. Manchas negras, homenajes y nuevos horizontes en la obra de Ramón Isidoro; negro febril, fuerza caligráfica, pura energía en las nuevas composiciones de Luis Fega.

Alude Vicente Domínguez, en su texto para el primero, a las ‘epifanías del negro’ recordando la mitología griega, la ‘Negra noche’ de los tiempos y el negro como muerte. El negro como olvido. El negro radiante y oculto del ‘Poema’ de Parménides, o el elogio a las sombras de Borges. En la larga vida de la pintura el negro siempre ha sido parte de cada etapa histórica pero, en los últimos cien años, se ha hecho protagonista esencial. Así ocurrió en las conocidas experiencias de Malevich o Ad Reinhardt que también cita Alfonso Palacio en los textos de la exposición ovetense, y también en los negros majestuosos de Paul Klee, que heredaron Miró y otros contemporáneos.

Negro inerte, que diría Kandinsky, cénit de la vida o silencio del cuerpo tras la muerte. Negro insonoro abierto a todo color que, en la neutra vereda de aquel, podrá generer nuevas musicalidades cromáticas. Pero, más allá de los mitos o las definiciones, y por encima de las sombras que recrearon los maestros del informalismo español, o de las las divergencias entre color y no-color que ocuparon nuestros debates de los años ochenta, lo cierto es que el negro ha sido y es un valor inmutable. La expresión más certera de lo secreto. Sin misterio, no hay Arte.

Pocas veces se concibe tan bien una fusión de disciplinas como la que ofrecen estos días Santiago Lara y Beatríz Coto en su exposición en la galería Guillermina Caicoya, de Oviedo. El respeto al oficio, el estudio, la reflexión y la comunión con el presente supera cualquier frontera localista y señala la piedra filosofal de sus esfuerzos.

No abundan en nuestro circuito las hibridaciones bien entendidas y, mientras soñamos con nuevas revoluciones y vanguardias, escasea la coherencia. Muchos (¿creadores?) repiten fórmulas en boga, teñidas de discursos minimalistas, estridencias conceptuales o ecos expresivos nacidos hace treinta años. En una época inundada de mimetismos advertimos pocas ideas y excesivas pretensiones.

La juventud, maestra de la ilusión y la esperanza, sigue siendo uno de los mejores «periodos para lo posible», pero no sirve como panacea. Con la fiebre creativa en alza uno puede hallar, esporádicamente, sorpresas agradables e intemporales porque, entre otras cosas, la juventud no es un tiempo de la vida, sino un estado del espíritu. En esa encrucijada no es fácil tomar partido por determinados artistas. Y el único dogma admisible aquí es que, quien verdaderamente vale, lo demuestra trabajando. Sin prisa, sin pausa, lejos de las lamentaciones, las quejas y las congojas.

Enhorabuena, pues, a Lara y Coto.

Una obra de Philip Scott Johnson. 500 años del retrato femenino en el arte occidental:

http://www.youtube.com/watch?v=nUDIoN-_Hxs

El pasado miércoles se presentó en la FNAC Callao de Madrid la tercera edición del Laboratorio de Electrónica Visual (L.E.V.) que se celebrará en Gijón durante los próximos 1 y 2 de mayo.

La programación de este interesante festival, orientado a la unión de la música electrónica con las artes visuales y escénicas, ocupará varios espacios de la Universidad Laboral.

L.E.V. ha sido diseñado y concebido por el colectivo asturiano ‘Datatrón 0x3F’ (Fran Suárez, Cristina de Silva y Nacho de la Vega) que, en función de sus buenos resultados, ha logrado un importante presupuesto para esta edición, con apoyos del teatro de la Laboral en la producción y del centro de arte en el patrocinio principal. Pero esa colaboración entre ambas instituciones es poco frecuente; no hay buenas vibraciones entre teatro y centro de arte, puestos en marcha por el Gobierno del Principado en torno a la Ciudad de la Cultura. A menudo, ambos ejercen una suerte de ‘contraprogramación’ que confunde a propios y extraños, dentro y fuera de Asturias. La coordinación entre sus directores, Mateo Feijoó y Rosina Gómez-Baeza, es escasa, y organizan exposiciones, espectáculos, talleres o cursos que, en vez de confluir esfuerzos, los dispersan. El festival L.E.V., pese a las dificultades, es un ejemplo de que lo bien hecho, bien parece.

Es acongojante, a menudo, reflexionar sobre nuestra actualidad artística más inmediata. Cuando, por ejemplo, escribimos sobre la aparente "actualidad" de algunos artistas y descubrimos que muchos se defienden con frases como «el arte no sólo se alimenta del arte», «lo interesante es poder hacer de todo y que nos respeten igual», «la obra hoy apenas cuenta» o sentencias como «hoy estamos obligados a ser escépticos». Sus ilusiones están vivas,con matices. Hay entusiasmo, buena formación, mejores vías de difusión que antes pero, sobre todo, ganas de triunfar rápido. No parece que las revoluciones artísticas de otras épocas vayan a repetirse ahora. Lo saben bien ciertos artistas que fracasan, o quienes subsisten a base de procedimientos miméticos sólo digeribles por públicos anclados en lo extremadamente tradicional o acomodados en lo marcadamente actual.

¿Es posible realizar una creación pura, en nuestros días? La independencia del arte exige una sumisión a la necesidad interior, no tanto del artista como de la obra misma. Si es factible buscar artistas que escapen de arquetipos se debe, únicamente, a obras capaces de emocionarnos, intransferibles, fruto de esa necesidad interior. Merece la pena buscarlas porque, aunque no podamos desvelar lo invisible, podemos apoyar lo que tenemos cerca, a riesgo de equivocarnos, con honestidad, rigor y esfuerzo. En ello estamos.