Los viajes del artista

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1000003 El viaje y la experiencia artística son actos rituales. Más allá del turismo, las vivencias del auténtico viajero comparten ese deseo del artista de ahondar en lo desconocido y hallar respuestas propias en territorios ajenos. Presencias que revelan la magia de un lugar, búsquedas de otras luces, de otros misterios. No es extraño que aún queden artistas, como el asturiano Ramón Rodríguez, que se valen del viaje como fuente de inspiración. Desde la antigüedad clásica, los mitos, la historia y la literatura compartieron esa huella de la experiencia nómada, como parte del proceso de configuración cultural. El Camino de Santiago y sus logros románicos son un ejemplo cercano. Ahí reposan otras inquietudes: la percepción del otro, su integración, su dinámica de grupo y su fuerza para generar identidades personales. Esas relaciones se han abordado desde todas las perspectivas (históricas, literarias, coleccionistas, exóticas...) virando del humanista al mecenas, de la filosofía kantiana a la renovación del gusto estético. El viaje puede traducirse, incluso, en una brutal rebeldía frente a los abusos políticos, como ocurrió en la gran aventura colectiva de las vanguardias artísticas del siglo XX, en el éxodo de los europeos a Norteamérica durante la Segunda Guerra Mundial, o de los artistas españoles que huyeron a París durante la dictadura franquista. El viaje impulsa ritmos subjetivos, visibles e invisibles, consecuencia directa de su práctica. Es una continua apropiación sensorial de territorios, encuentros y cosmovisiones personales. Testimonio del camino, la mirada lenta y la contemplación pausada. Lo efímero como génesis del recuerdo perpetuo. Una experiencia insustituible para el alma creativa, alimento singular de cualidades difíciles de transmitir de otra manera que no sea viajando. <BLOCKQUOTE>«El viaje del descubrimiento no consiste en buscar nuevos paisajes sino en tener nuevos ojos» (Marcel Proust) </BLOCKQUOTE>

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1 Los viajes del artista

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1000003 <TABLE height=300 cellSpacing=0 cellPadding=0 width=540 align=right border=0> <TBODY> <TR> <TD vAlign=top colSpan=3> No hay Arco sin reyertas. La vigésimonovena edición de la Feria Internacional de Arte Contemporáneo de Madrid casi se volatiliza un mes antes de su apertura pero, tras muchas polémicas entre los responsables de la entidad ferial y las galerías, la bronca se zanjó. Y en estos momentos, todos contentos. Problemas, los de siempre; protagonistas, también los de siempre, o sea, el Comité Asesor (seis galerías españolas, seis extranjeras y los representantes de Ifema) y las disputas en púbilco y en privado entre quienes están dentro y quienes desearían estarlo. Un asunto turbio y complejo que ha generado muchas injusticias desde las primeras ediciones de Arco, allende los ochenta, con la participación de unas salas en detrimento de otras, y con escandalosos agravios comparativos. Este año la cosa se torció más de lo habitual porque el Presidente del Comité Ejecutivo de Ifema, Luis Eduardo Cortés, ‘invitó’ al Comité Asesor a a «acatar sus decisiones» y aceptar la entrada de cuatro espacios no avalados por las galerías dominantes. Éstas, que mandan mucho, amenazaron con un retiro en bloque. Al final Ifema replegó velas, acuciada también por el ‘pressing’ político y mediático. Buena decisión. No sería lógico concebir una feria de galerías sin galerías, como tampoco sería lógica una liga de fútbol sin clubes. La profesionalidad ya es otra cosa. En un evento como Arco, que quiere ser ejemplo de «calidad, internacionalidad y referencia cultural» lo cierto es que hoy, salvo honrosas excepciones, quien no entra en el juego no juega. Y ese ‘juego’ no consiste en vender, presentar buenos ‘stands’ o promocionar artistas propios, sino en compartir intereses con los grandes, intercambiar comisiones y mantener las modas. Con eso, y bastante esfuerzo participativo (viajes, asambleas y fiestas incluidas) es posible seguir en el campo, aún sin goles. <BLOCKQUOTE>«¿Qué importa conocer la línea recta si no sabemos qué es la rectitud?»</BLOCKQUOTE> </TD></TR> <TR align=right> <TD vAlign=top colSpan=3><A href="http://servicios.elcomerciodigital.com/arte/critica/100115.html#top"><IMG height=20 src="http://servicios.elcomerciodigital.com/arte/imag/subir.gif" width=22 border=0></A></TD></TR> <TR> <TD vAlign=top colSpan=3 height=25> </TD></TR></TBODY></TABLE>

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1 Otro Arco polémico

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1000003 Al artista la inteligencia se le supone, como a cualquier profesional que se precie. Pero la historia ha demostrado que, a menudo, la inteligencia del circuito artístico apunta a otras metas (repercusión mediática, estrategias de venta ...) ajenas a la esencia de una obra creativa. Cuando Cézanne planteó un sistema pictórico donde la realidad visible se decomponía en formas básicas comenzó la muerte de los lenguajes narrativos. La fotografía ayudó al asunto, y el cubismo se encargó de rematarlos. El siglo XX vivió una explosión de energías, tesis y antítesis que proyectaron el mercado hasta límites insospechados hasta entonces. Marcel Duchamp incorporó el tiempo a la obra de arte, que dejó de ser ‘obra’ y se hizo ‘ready-made’, transformándose en un constante ‘proceso’, en este ‘work in progress’ que hoy (a todos) nos llena las bocas. En las décadas cincuenta y sesenta se sumaron al juego del arte ingenieros, matemáticos, físicos, ópticos y, más tarde, informáticos, apropiándose de un ‘arte tecnológico’ capaz de alterar códigos sin marcar límites. Los artistas Fluxus lo aprovecharon bien, otros no tanto. Llegaron los años setenta y ochenta, y más apropiaciones, y más aciertos y más estafas, grandes artistas que emplearon los elementos tecnológicos con garantías, pero también muchos que sólo usan la tecnología para despojarla de aquel aura inicial. Poco a poco, algunos han hecho de ella una acumulación de desechos, más o menos virtuales, al servicio de otros asuntos. Y aquí está la cultura digital que, en los últimos quince años, se ha diversificado progresivamente, casi al infinito. Puede que hoy el pensamiento de la máquina se asemeja al de quien la ha ‘pensado’, pero su funcionalidad no debe corresponder al automatismo ni las modas, sino a una inteligencia ‘auténtica’. Esa que, en cualquier caso, debe partir siempre de lo sensible. «La industria cultural reduce la interioridad a mentiras» (T. Adorno)

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1000003 <IMG class=imgdcha id=img_0 src="http://blogs.elcomerciodigital.com/blogfiles/arte-alnorte/2.jpg">Crisis presupuestaria, eclecticismo y ausencia de espectadores. Bajo esas tres premisas se movió el circuito artístico asturiano en 2009. Por parte institucional, algunos centros mantuvieron el tipo pese a los recortes presupuestarios. Otros dieron cal y arena en sus propuestas, malgastando fondos en aventuras más mediáticas que productivas, mientras las salas privadas volvieron a ser los auténticos motores del arte actual. <?xml:namespace prefix = o ns = "urn:schemas-microsoft-com:office:office" /><o:p></o:p>De lo bueno, lo mejor se analízó aquí, resumiendo lo que acontece y denunciando, a veces, a quienes usan el dinero público. Porque quienes tiran de su propio bolsillo no merecen críticas excesivas. Éstos (los galeristas, los proyectos autogestionados, los artistas independientes…) se juegan su pan, y en su propia casa. Como nota optimista, en 2009 creció el número de artistas asturianos brillando en salas foráneas (Melquíades Álvarez, Maite Centol, Pedro Fano, Luis Fega, Nuria Formentí, Galano, Ernesto Knörr, Iván Pérez, Pelayo Ortega, Avelino Sala, Javier Victorero…) aunque esas circunstancias también subrayan la falta de apoyo en Asturias. INSTITUCIONES.- Hay dos ejes sobre los que gira la apuesta del Gobierno del Principado. En Gijón, <?xml:namespace prefix = st1 ns = "urn:schemas-microsoft-com:office:smarttags" /><st1:PersonName w:st="on" ProductID="la Ciudad">la Ciudad</st1:PersonName> de <st1:PersonName w:st="on" ProductID="la Cultura">la Cultura</st1:PersonName>; en Oviedo, el Museo de Bellas Artes. Su tercer gran proyecto cultural, el Centro Óscar Niemeyer de Avilés, es todavía una incógnita para el ámbito que nos ocupa. En Oviedo, con las rehabilitaciones del museo aún pendientes, poco podemos destacar. Si acaso, su defensa de Luis Fernández, con la publicación de la excelente tesis doctoral de Alfonso Palacio y la catalogación de los fondos de arte contemporáneo del centro, que realizó el mismo autor. Habrá que esperar para saber si su futuro traerá una defensa con garantías del arte contemporáneo. En el remodelado edificio de Luis Moya la programación fue extraña y la falta de público muy clara. La exposición que más impacto provocó fuera de aquí fue la de Marina Abramovic, en <st1:PersonName w:st="on" ProductID="la Iglesia">la Iglesia</st1:PersonName> de <st1:PersonName w:st="on" ProductID="la Universidad Laboral.">la Universidad Laboral.</st1:PersonName> Pero la produjo el Teatro, no el Centro de Arte y Creación Industrial que, con muchos altibajos, se vio afectado por cambios organizativos (dimisión de Erich Berger e incorporación de Benjamin Weil como comisario-jefe) y por la apresurada puesta en marcha de espacios como <st1:PersonName w:st="on" ProductID="la Mediateca. A￺n"><st1:PersonName w:st="on" ProductID="la Mediateca.">la Mediateca.</st1:PersonName> Aún</st1:PersonName> incipiente (todavía no ha cumplido tres años), LABoral presentó bastantes exposiciones pero con poca repercusión, pese al esfuerzo de Rosina Gómez-Baeza por lanzarse internacionalmente. Lo mejor, su exportación de ‘Banquete_nodos y redes’ al ZKM de Karlsruhe (Alemania), espejo al que sigue mirando el centro gijonés, y algunas artistas galardonados con el premio LABJoven, como Fernando Gutiérrez. También en Gijón, las salas del Centro de Cultura Antiguo Instituto continuaron apoyando las nuevas disciplinas, y el resto de iniciativas municipales del Ayuntamiento dieron paso a otras alternativas, como el arte público. Así, la ciudad incorporó una nueva obra de Francisco Fresno a su parque escultórico. En otros frentes institucionales de la ciudad merece un notable alto el Museo Barjola, con un presupuesto ridículo y una programación sumamente eficaz. No es extraño que su gestión suene en todas partes, o que mantenga una excelente relación con otros organismos. Excelentes exposiciones (Nuria Ruibal, Arancha Goyeneche, PSJM, Mar Solís, Pablo Armesto…) realizadas sin aspavientos. Y un hermoso homenaje a Joaquín Rubio Camín, compartido con la galería Cornión, el Museo Evaristo Valle y los ayuntamiento de Gijón y Avilés, que celebró los ochenta años del nacimiento del artista. El museo de Somió organizó varias muestras destacables, como su particular homenaje a Javier del Río. En el resto de la región, personas y pequeños colectivos siguieron desarrollando hermosos proyectos. A destacar, entre otros, el nuevo espacio cultural As Quintas, en <st1:PersonName w:st="on" ProductID="La Caridad">La Caridad</st1:PersonName> (El Franco), que en los primeros meses de actividades funcionó de maravilla. PROTAGONISTAS.- En Gijón y Avilés se abrió el 11 de diciembre AlNorte, <st1:PersonName w:st="on" ProductID="la Semana Nacional"><st1:PersonName w:st="on" ProductID="la Semana">la Semana</st1:PersonName> Nacional</st1:PersonName> de Arte Contemporáneo de Asturias que organiza EL COMERCIO, demostrando que es posible trascender más allá de la anécdota poniendo guiones frente a decorados, incluso en plena crisis. Sus cuatro exposiciones, que aún perduran (Paola Ruiz en el Museo Barjola; Daniel Cerrejón en Cornión; Chus Cortina en Espacio Líquido; y ocho mujeres en el proyecto colectivo ‘Girl-made’ del CMAE de Avilés, comisariada por Eneka Fernádez) tendrán continuidad en 2010, en <st1:PersonName w:st="on" ProductID="la Delegaci�n">la Delegación</st1:PersonName> del Principado en Madrid. Como estos jóvenes creadores, otros que habían logrado la beca AlNorte en sus ediciones anteriores expusieron en museos y galerías (Pablo Armesto, Noé Baranda. Pablo Iglesias, Santiago Lara, Edgar Plans, Rafa Rollón…) .durante estos doce meses, compartiendo fama con los demás nombres propios del año (María Braña, Elías Benavides, María Castellanos, Luis Fega, Fiumfoto, Francisco Fresno, Jaime Herrero, Ramón Isidoro, Kíker, Gil Morán, Agustín García, Luis Lanzas, Pablo de Lillo, Lisardo, Santiago Mayo, Alejandro Mieres, Marcos Morilla, Jorge Nava, Nuñez Arias, Vicente Pastor, Jaime Rodríguez, Faustino Ruiz de <st1:PersonName w:st="on" ProductID="la Pe�a">la Peña</st1:PersonName>, Ramón Prendes, Isabel de <st1:PersonName w:st="on" ProductID="la Sierra">la Sierra</st1:PersonName>, Isidro Tascón, María Vallina, Luis Vigil…) que exhibieron su obra reciente en galerías como Altamira, Alfara, Amaga, Dasto, Cornión, El Arte de lo Imposible, Espacio Líquido, Gema Llamazares, Guillemina Caicoya, Texu, Vértice o Van Dyck. Esta última celebraba su 25 aniversario con una gran programación de exposiciones, trayendo a Asturias artistas nacionales. Con todos ellos, y algunos más, el siglo XXI entra ya en su segunda década, y con él, nuestro nuevo brindis porque lo bien hecho, bien parece.

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1 Los nombres propios de 2009

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1000003 En su ‘Historia de la belleza’, publicada en 2004, Umberto Eco explica la evolución del concepto a lo largo del tiempo y señala, como han hecho otros autores, que el verdadero terremoto del término llegó con los albores del siglo XX. Muchos han situado el comienzo de esa crisis en el emblemático mingitorio de Duchamp y en las vanguardias plásticas y literarias, que abrieron nuevas vías para obras difícilmente aceptables como ‘arte’ en los siglos precedentes. Hoy ocurre lo mismo, en derivas múltiples, relacionadas con las artes visuales, la moda o la imagen cinematográfica. Las formas de representar lo bello son infinitas. Alejandra Walzer, autora de ‘La belleza. De la metafísica al spot’ señala una triple transición en el mundo actual: por un lado, desde el arte bello hacia una cultura de lo bello que busca finalmente la estetización de ‘todo’; por otro, desde las artes plásticas, como lugar privilegiado de escenificación de lo bello, hacia las artes audiovisuales; y por último, desde la obra bella a la ‘mercancía’ bella. En este último punto, los programas informáticos de manipulación de imágenes tienen mucho que decir. En esas encrucijadas quizás sea más efectivo debatir lo contrario y recuperar las moralejas de ‘La bella y la bestia’, esto es, aplaudir la bella fealdad de un espíritu límpio. Demonios, presencias perturbadoras, deformidades que navegan navegando entre los ‘freaks’ y los fantasmas, El mismo Eco advierte en su ‘Historia de la fealdad’ (2008) que la estética de los ‘cyborgs’ interesa hoy a muchas personas, tal como ocurría en el siglo XV con los cuadros de El Bosco. «Para entender los gustos de una era no es justo escuchar sólo a los filósofos, es necesario entender qué significa fealdad para la gente común». No hay más que echar un vistazo diario a la estética de las televisiones, que inciden obsesivamente en exhibir imágenes de la desgracia ajena. <BLOCKQUOTE>«Sin las sombras no existe la luz» (Umberto Eco) </BLOCKQUOTE>

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1 La bella fealdad

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1000003 Hace poco, en una mesa redonda titulada ‘El artista como genio’ acusaron a un conocido pintor español de tomar copas a altas horas de la madrugada. El denunciante, más enfadado que las señoritas de Avignon con Picasso (tras verse pintadas en el cuadro) preguntó si aquel pintor bebía, bailaba, era gracioso o se corría juergas con asiduidad. Como el acusado es amigo mío, le contesté que sí. También dije, para distendir el ambiente, que mi amigo había visto la noche anterior una chica paseando un jabalí por el Paseo de Begoña, lo cual es rigurosamente cierto, pero no venía al caso y empeoró las cosas. El indignado acusador, más agresivo que el entrenador de los ‘Gormitis’ de mi hijo, gritó que ese creador no era nada «serio » y que «los del arte» somos todos un nido de mafiosos. Una mujer justificaba a los artistas porque tienen una capacidad innata y, por tanto (¿?), merecen cualquier exceso. Ambos pintaban en su casa, los domingos. Es cierto que entre los creadores hay anacoretas, místicos, mercenarios, peseteros, bebedores, caraduras y camorristas. Y, sobre todo, bellas personas. Entre finales del siglo XIX y principios del XX primó esa versión romántica del artista como genio, que Schopenhauer y Freud se encargaron de teorizar. Trauma, represión, sublimación… fueron términos asumidos con frecuencia. Incluso Kant sugiere que el arte implica ciertas dosis de locura. La ‘mitomanía’ siempre ha fomenta la imagen del artista bohemio. Hay famosas leyendas sobre Giotto, Caravaggio, Miguel Ángel, Leonardo, Goya y muchos otros. Hoy la cultura- espectáculo contribuye a nuevas deidades, pero hay ríos de tinta de Wittkower, Schapiro, Berger o Furió que desmitifican todas esas cosas. Yo creo que el arte no implica locura ni tormento. Si acaso, bastante desazón. Crear es una forma de pensar con sus propias peculiaridades. Salud. <BLOCKQUOTE>«El resto del mundo era mi problema» (Charles Bukowski) </BLOCKQUOTE>

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1 Genio de artista

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1000003 <IMG class=imgdcha id=img_0 style="WIDTH: 334px; HEIGHT: 253px" height=273 src="http://blogs.elcomerciodigital.com/blogfiles/arte-alnorte/_visd_0033JPG0004L.jpg" width=407>Con la apertura ayer de la doble exposición ‘Camín cercano’ en el Palacio de Valdecarzana y la Casa Municipal de Cultura de Avilés se completa el tributo póstumo que, bajo el título ‘Camín 80’, se viene rindiendo al artista gijonés hace dos meses. La muestra se une a las que aún albergan el Museo Barjola y el Museo Evaristo Valle que, junto a la guía editada por el Museo Jovellanos y la exposicion que pasó por la sala Cornión, celebran esta hermosa iniciativa. Esta exposición avilesina es especialmente entrañable. No en vano, se nutre artistas muy cercanos al homenajeado. Amigos de varias generaciones que, en Valdediós, Gijón o Madrid, pasaron muchas horas junto a él, apreciando esa verdad velazqueña que plasmaba el arte de Camín y esa sabiduría que atesoró durante su larga trayectoria, transmitiendo una esencialidad invisible a los ojos a sus tablas, lienzos, hierros, ‘collages’, grabados, obras públicas y artes aplicadas. Por problemas de espacio no están todos los que son, pero son todos los que están (Javier Aleixandre, Melquíades Álvarez, José Arias, José Ramón Cuervo- Arango, Reyes Díaz, Ramón Isidoro, Gonzalo Juanes, Josefina Junco, Mingotes-Villemur, Pablo Maojo, Roberto Molinos, Marcos Morilla, Pelayo Ortega, Edgar Plans, Ramón Prendes, Fernando Redruello, Ramón Rodríguez, Verónica Rubio y Antonio Suárez) cuyo trabajo, bajo ese magnético nudo ‘caminiano’, merece una contemplación pausada. Todos han querido expresar a su manera el tono confidencial y los sentimientos secretos del alma, base lírica del gran maestro cuya compleja sensibilidad se consagraba siempre a lo íntimo, a lo más cercano y profundo, para expresar las vivencias inmediatas del ser humano y la naturaleza y envolver de ternura cada una de sus escenografías cotidianas. <BLOCKQUOTE>«No existen artes mayores o menores; el arte es una manera de pasar por la vida» (Joaquín Rubio Camín) </BLOCKQUOTE>

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1 Camín cercano

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1000003 En un garito de cuyo nombre no quiero acordarme discutí, hace días, con un viejo amigo acerca de los dimes y diretes del arte actual. Él alababa mi defensa de las artes visuales (en concreto, de la pintura) y no entendía mi interés por otras disciplinas inherentes a la producción cultural de nuestro tiempo, que aquí abordamos con frecuencia. <?xml:namespace prefix = o ns = "urn:schemas-microsoft-com:office:office" /><o:p> </o:p>Uno de los problemas de la crítica de arte es su carácter ‘contemporáneo’ y su necesidad de analizar todas las expresiones en activo. Eso, unido a otros valores imprescindibles (conocimiento, experiencia directa, ritmo narrativo, cierta subjetividad…) implica tener las retinas muy abiertas, mirando atrás y adelante para analizar la actualidad. <o:p> </o:p>En esa encrucijada, la historia existe y es fundamental, como la poesía, o la belleza. Aún aceptando que la historiografía nace con Vasari y que la crítica, como tal, empieza a caminar casi tres siglos después, la cosa se complica. En ese tiempo atender a un estilo permitía establecer un canon que daba sentido a la obra. La evolución podía enfocarse como progreso si la obra tendía a ajustarse al canon, o como declive, si se distanciaba de él. El estilo, pues, diseñaba las fases del proceso y su ordenamiento. <o:p> </o:p>Pero eso está hoy muy lejos. Ya Hegel definió la esencia del arte como la simbolización de una visión del mundo y como un ‘instrumento’ libre, que el artista emplea como expresión de su propia conciencia. En cualquier disciplina, arte es una manifestación sensible cuya función consiste en reconciliar ese espíritu del artista con el mundo. La jerga pretenciosa y el falso sentimentalismo son algunos defectos de la crítica combatidos por maestros como Gombrich, entre otros. También el dogmatismo y la modernidad mal entendidas. Mi buen amigo sabe que buscar una emoción, quizás, sea lo único que nos importa. <o:p> </o:p> <BLOCKQUOTE> “No existe, realmente, el arte. Tan sólo hay artistas”. (Ernst Gombrich) </BLOCKQUOTE> <o:p> </o:p>

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1 Criticar al crítico

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1000003 <IMG class=imgdcha id=img_0 style="WIDTH: 370px; HEIGHT: 324px" height=273 src="http://blogs.elcomerciodigital.com/blogfiles/arte-alnorte/buddapaik.jpg" width=330>El próximo Festival Internacional de Cine promete, como siempre, superarse a sí mismo. El ciclo retrospectivo sobre Matthias Müller, uno de los grandes cineastas experimentales, reivindicará el interés de los museos por el cine. Recordemos que sus obras se han expuesto en el Louvre, el Whitney, el MoMA, el Georges Pompidou o <?xml:namespace prefix = st1 ns = "urn:schemas-microsoft-com:office:smarttags" /><st1:PersonName ProductID="la Tate Modern" w:st="on">la Tate Modern</st1:PersonName>, entre otros espacios. En Gijón habrá también ciclos sobre el cineasta y artista visual Harmony Korine y una exposición sobre cine británico, titulada ‘Unordinary people’, en el Centro de Cultura Antiguo Instituto. <?xml:namespace prefix = o ns = "urn:schemas-microsoft-com:office:office" /><o:p></o:p>Los artistas plásticos comenzaron a usar el cine en las vanguardias históricas, como un nuevo medio experimental hoy ya consolidado. Pero en la última década la relación de museos y centros de arte con el cine se ha intensificado. No sólo hay proyecciones, ciclos y cursos, sino que los creadores aprovechan la imagen en movimiento y se habla, incluso, de cine de exposición o ‘screen-art’, como señalaba en el seminario ‘Hibridaciones’ de AlNorte 05 el crítico Antonio Weinrichter. Primero llegó el advenimiento del video para la acción simbólica (Vostell, Nam June Paik), luego se pasó a la fase conceptual y la ‘performance’ (Vito Acconci) y, superado el fetichismo por el soporte, finalmente se afrontó la cuestión de la proyección llegando a la narración y la imagen documental. Algunos hablan de ‘poscine’, lo que favorece una actitud general de apropiación de los modos y emblemas del cine -más que de su funcionamiento narrativo- en instalaciones multidisciplinares. Pero, quizás, el cine experimental siga siendo la máxima expresión de estas hibridaciones, con sus tendencias ‘abstractas’, los ‘montages’, el cine de ‘found footage’ (Conner, Ken Jacobs, Baldwin…) y el interés por programar obras inscritas en tradición menos formalistas, como la nueva práctica documental. Museos y cine, relación ineludible de nuestro tiempo. <o:p></o:p> <BLOCKQUOTE> “El futuro está aquí” (Nam June Paik) </BLOCKQUOTE>

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1 El cine en el museo

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1000003 <IMG class=imgdcha id=img_0 height=574 src="http://blogs.elcomerciodigital.com/blogfiles/arte-alnorte/ralphbloodylaurenagain.jpg" width=313>La cuestión de la belleza ha interesado desde hace siglos a la humanidad. A lo largo del tiempo, la reflexión y la investigación sobre lo bello ha tenido lugar en múltiples disciplinas: la filosofía, la historia del arte, la antropología, el psicoanálisis, la estética, etc. En el ámbito de los medios de comunicación, esta cuestión está presente de diversos modos, sin embargo, no se había investigado de forma tan específica como en otros campos de las ciencias humanas y sociales. Esto es lo que impulsó a estudiar el tema, Alejandra Walzer, investigadora en la UC3M que ahora publica el monográfico La belleza. De la metafísica al spot , con la editorial Octaedro. Después de analizar el largo recorrido que la idea de belleza ha tenido en la historia en occidente, la investigadora ha comprobado que aquello que tradicionalmente se asociaba a las artes, había sufrido una transformación de gran envergadura porque desde la eclosión de las vanguardias, las artes visuales dejaron de disponer a la belleza como categoría estética privilegiada.“Muchos dijeron que la belleza había muerto, pero según he analizado, lo que ha ocurrido es que se ha producido una transmutación o un cambio de escenario para la representación visual dominante de la belleza”, señala la profesora del Departamento de Periodismo y Comunicación Audiovisual de la UC3M. La densidad de lo bello ¿Es posible definir la belleza? “Sigo preguntándome - advierte la investigadora - si es posible construir una definición capaz de contener y expresar algo que, muy lejos de ser ligero, anecdótico o baladí, constituye un asunto de gran densidad”. Además, cuando reflexionamos sobre la belleza es probable que inmediatamente surja otra cuestión muy compleja: el gusto. San Agustín se preguntaba si las cosas son bellas porque gustan o gustan porque son bellas, o en otras palabras, ¿la belleza está en la cosa o en los ojos del que mira? Son cuestiones muy difíciles de contestar, “pero formularse estas preguntas es tremendamente inquietante e interesante”, indica la investigadora. Las formas de pensar y representar lo bello han cambiado mucho y a partir del siglo XX. Se puede detectar, según el análisis de la profesora Walzer, una triple transición: por un lado, una transición desde el arte bello hacia una cultura de lo bello que busca la estetización de todo; por otro lado, una transición desde las artes plásticas como lugar privilegiado de escenificación de lo bello hacia las artes visuales o audiovisuales; y por último, una transición desde la obra bella a la mercancía bella. En la actualidad, la belleza se ha convertido en un argumento potente de la sociedad de consumo. Existe una fuerte presencia de la “estetización” en todo tipo de objetos y mercancías en los medios de comunicación y, fundamentalmente, en la publicidad, campo en el que ha centrado su investigación la autora del estudio, en concreto la de productos de belleza e higiene que se emiten en los canales generalistas de la televisión en España. En estos anuncios se produce una duplicación de mensajes, según la investigadora: “El producto que tiene presuntas propiedades embellecedoras se presenta de forma bella para convencer al consumidor de sus cualidades”. Es el recurso del embeleso, explica, porque la belleza aparece como una propiedad transferible desde un producto hacia la espectadora y potencial consumidora. La mujer y el cuerpo femenino aparecen en un lugar destacado cuando examinamos este tipo de mensajes publicitarios. Los argumentos de los anuncios, el lenguaje que se emplea y el estilo visual contribuyen a crear un clima ‘tecno-científico’, alejado de los tradicionales y explícitos argumentos de seducción que solían predominar en este tipo de anuncios. “Probablemente se haya valorado que a las mujeres hoy no se las puede atraer con ese tipo de argumentos y por eso, se incide en unos mensajes que subrayan la precisión, la eficacia, la limpieza, la ‘cientificidad’ o el control y sólo en los anuncios dirigidos a jovencitas persiste el argumento amoroso como reclamo publicitario dominante”, argumenta esta psicóloga y doctora en Ciencias de la Información. Por otra parte, es interesante observar cómo el cuerpo femenino aparece fragmentado en una operación de despiece en la que el primer plano y los planos detalle predominan promoviendo una vigilancia cada vez más minuciosa y detallista del propio cuerpo y, generando en consecuencia, la necesidad de consumir cada vez más productos.

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