No sabía yo, como he leído por aquí, que la mayor o menor extensión de una opinión definía la valía de su contenido. Pero eso me recuerda algunas reflexiones interesantes, sobre las relaciones entre la calidad y el tamaño de las obras de arte.

En las artes visuales, concretamente, la relación entre la calidad y el tamaño de las piezas ha derivado muchas veces es supuestos erróneos que, sin embargo, hoy siguen siendo dogmas inviolables para establecer baremos. Así, por ejemplo, los precios de los cuadros varían en función del formato o los materiales empleados, y, como sabéis, para un mismo pintor el óleo es más caro que las ceras y las telas más que los papeles, lo cual no siempre sigue criterios estético-espirituales. Los planteamientos son fruto de esa necesidad que obliga a ajustar de alguna manera los precios en las ventas. Pero el asunto llama bastante la atención porque con frecuencia lo bueno llega, contra pronóstico, en los bastidores pequeños.

Benedetto Croce, una de las figuras más eminentes de la filosofía contemporánea, afirmaba en sus estudios la imposibilidad de graduar las obras de arte. Decía, entre otras cosas, que “la gradación, la determinación cuantitativa, no logra el fin que se propone, de distinguir los valores de las obras y constituir órdenes de dignidad”. Aludiendo a la poesía y las artes en general, el erudito italiano tenía muy claro que no se pueden tratar esta clase de diferencias, sino distinguir las obras que son verdaderas y las que no. “Estas obras”, señala, “son las que necesitamos distinguir de las primeras, calificándolas como obras de segundo, tercer o cuarto orden, juzgándolas de interesantes, decorosas y bien hechas, pero no de geniales, ideales, bellas, serenas, vivas ni originales. No se trata de diferencias cuantitativas, sino cualitativas”.

No tiene sentido, por tanto, mantener absurdos debates entre formalistas o conceptualistas, abstracciones o figuraciones, austeridades y ornamentos, narratividad o minimalismo. Al margen de baremos sociales, lo que permanece inalterable en nuestras retinas son cosas como la "belleza" que, por supuesto, tiene múltiples connotaciones. Y puede ser igualmente intensa en un enorme mural o en el rincón más ínfimo de un pequeño grabado.

Todo intento de encasillamiento se desvanece cuando la historia produce, de vez en cuando, obras de arte.

Parece que, tras las últimas polémicas, este blog se ha quedado mudo. A lo mejor es la resaca de las fiestas recientes...

Pero uno empieza a sospechar que la temática planteada en cada post es lo de menos. Parece que cuando el debate se anima es porque alguien desea pelear consigo mismo, o conmigo, o con un vecino que conoce o que odia, al margen del asunto que planteamos. Es bueno que algunos internautas aporten aquí otras ideas, siempre que lo hagan con respeto. Incluso que delaten sus propias ambiciones, sus envidias o sus fantasmas, aunque entiendo que para eso hay mejores espacios que éste. Gracias a El Comercio, hoy cada cual puede tener su propio blog, al margen de los que dirigimos los colaboradores habituales del periódico.

De todos modos, seguiremos planteando debates sobre arte contemporáneo, porque hay suficientes temas de interés para tratar, al margen de insultos o polémicas escasamente fructíferas.

Como la exposición Arte AlNorte, que presentamos hace diez días en el Palacio Revillagigedo. Está teniendo una gran acogida de público y de crítica, y no sólo en esta casa, que la defiende por razones obvias. Así, nos llegan buenas vibraciones de otros lares, incluso de otras "casas" que niegan la existencia de la exposición por aquello de las luchas mediáticas. Pero como soy consciente de que muchos seguidores de este blog habéis visto ya la muestra y tendréis cosas buenas y malas que aportar, os animo a intentarlo. De nuevo.

Como ya sabréis, la exposición ‘Arte AlNorte’ en el Centro Cultural Cajastur Palacio Revillagigedo se inauguró el pasado jueves, con un repaso a los seis años de la Semana Nacional de Arte Contemporáneo de Asturias y 27 propuestas artísticas de 29 autores. La muestra reivindica las calidades, sin más tesis de partida que un origen común (la obtención de las becas AlNorte de EL COMERCIO) y el interés por lo bien hecho. Las obras alternan dibujo, instalación, fotografía, pintura, escultura, sonido, obra gráfica y videoarte, sugiriendo reflexiones que confluyen con las múltiples naturalezas que habitan el arte actual.

Tal es el caso de algunos fotógrafos, como Soledad Córdoba, que continúa fiel a un arte casi terapéutico, partiendo del intimismo y la seriación del fuerte impacto de ficción que caracteriza sus cuidadas escenografías. O la renovadora fuerza de Ruth+Erre, con estudiados efectos compositivos que hablan de un paisaje repleto de connotaciones metafísicas. O las alusiones a la soledad, el cuerpo femenino y las referencias kafkianas de Rebeca Menéndez. O las líricas historias de Noé Baranda, con ausencias y presencias inspiradas en los lejanos paisajes de Carelia. O los horizontes y las fronteras brumosas, casi abstractas de Benjamín Lebrato, que analiza los límites entre el arte y la vida mediante sus horizontes y fronteras azuladas.

Instalaciones
Mucho análisis conceptual y grandes dosis de ironía marcan la oferta expositiva de los artistas que realizan instalaciones multidisciplinares. Entre ellos, Paco Nadie, que en otra sala oscura obliga a pensar acerca de la existencia, partiendo de la palabra y la reinterpretación de lenguajes, animando a leer entre líneas y sentir la estructura del silencio. O Alicia Jiménez, que articula una inteligente propuesta, armonizando naturaleza y tecnología (hierba, tierra, vídeo...) e incitando al espectador a penetrar en los misterios del arte. En este ámbito, la mordacidad de Pablo Iglesias no evita el dramatismo de su original propuesta, una habitación vacía y abandonada por un loco que ha huído en busca de un sueño. Una metáfora visual acerca de la enfermedad y el desencanto.

En definitiva, un conjunto complejo, para analizar despacio repasando también la evolución de cada artista, a través de la extensa documentación que acompaña a las obras expuestas.

La semana pasada se clausuró en el Edificio Histórico de la Universidad de Oviedo la exposición ‘¿Qué arte? Discursos sin fronteras’, que proponía una selección de artistas de reciente incorporación a nuestro circuito expositivo. Autores que, bajo una mirada joven y emergente, han ofrecido en la última década ejemplos de su buen hacer, ecléctico y multidisciplinar. Su tendencia a alternar las nuevas tecnologías (especialmente el electrónico y digital) con otras disciplinas más tradicionales (pintura, obra gráfica, escultura, fotografía, instalación, vídeo) es otra característica de esta interesante propuesta, cuyas tesis contribuyen al mejor conocimiento de esas opciones y orientan las miradas del público con nuevas lecturas, bajo un excelente montaje.

La exposición, que ha gozado de un generoso presupuesto (compartido por la Universidad de Oviedo, en sus celebraciones del cuarto centenario, y el Banco Sabadell) recoge los argumentos creativos habituales en nuestros días. Son hibridaciones y diálogos multidisciplinares, orientados a proyectar el arte actual, como los que suelen proponer en Asturias la Muestra de Artes Plásticas, que depende de la Consejería de Cultura, o la Semana Nacional de Arte Contemporáneo AlNorte, impulsada desde EL COMERCIO. Proyectos para el arte emergente.
Pero aún no son suficientes. La globalización y la abundancia de estímulos informativos son comunes a estos jóvenes, y también la dificultad para acceder al circuito privado, un grave problema que les impide vivir del coleccionismo y les lleva a ejercer tareas ajenas a la creación.

La obligación de inventar nuevas estrategias de desarrollo, autogestión y producción es otra premisa para estos artistas, sobre para todo aquellos verdaderamente válidos, aunque habiten la periferia de la periferia. Con ellos, hay quienes viven de la eterna limosna, subvencionados hasta la saciedad. Pero esos no son representativos del llamado ‘arte actual,’ que es una cosa muy seria y, por tanto, merece todo empuje posible.

El arte asturiano cuenta con creadores del siglo XX cuyas trayectorias son imborrables, pese a padecer durante años el olvido institucional y el desconocimiento de una sociedad cuyas principales intereseses son, por este orden, los famosos, el fútbol y la política. Por desgracia, se suman con los dedos de la mano los artistas de esta bendita región que pasarán a la posteridad como auténticos renovadores.

En ese sentido, resulta inquietante detenerse a reflexionar sobre nuestra actualidad más inmediata, por ejemplo, sobre algunos creadores noveles y su aparente modernidad. Muchos se valen, cotidianamente, de frases como «el arte no sólo se alimenta del arte», «lo interesante es poder hacer de todo y que nos respeten igual», «la obra hoy apenas cuenta» o «estamos obligados a ser escépticos». Así, sus ilusiones están vivas, con matices. Hay entusiasmo, buena formación, mejores vías de difusión que antaño y demasiadas ganas de triunfar rápido. No parece que las revoluciones artísticas de otras épocas vayan a repetirse ahora.

Cada vez es más complicado asumir con garantías una actitud verdaderamente creativa. Lo saben bien los artistas que caen constantemente en el fracaso, o quienes subsisten a base de procedimientos miméticos, sólo digeribles por públicos acomodados en lo extremadamente tradicional o en lo marcadamente actual.
¿Es posible, pues, realizar una obra auténtica, una creación pura, en nuestros días?. Xavier Rubert de Ventós afirma que la independencia del arte exige una sumisión a la «necesidad interior, no tanto del artista como de la obra misma». En sus ensayos, el filósofo catalán señala que «a las obras de arte nunca hacemos más que aproximarnos».

Solemos preguntamos si es factible buscar artistas que escapen de arquetipos, cuyas obras emocionen y trasciendan más allá de las actitudes localistas. Obras originales, únicas e intransferibles. Quizás merezca la pena buscarlos porque, de vez en cuando, aparece esa magia del misterio contenido. Sin misterio, no hay arte. No sabemos si existe la pureza, ni podemos desvelar lo invisible. Pero nuestra tarea exige apoyar lo que tenemos cerca, a riesgo de equivocarnos, con criterios de calidad, honestidad, rigor y esfuerzos diarios. Y en ello estamos.

En el último 'post' surgieron varios temas de debate, partiendo de los problemas del arte en general y los desmanes presupuestarios de Asturias en particular. Creo que sería bueno continuar el diálogo abordando asuntos como, por ejemplo, la diversidad de las relaciones entre las personas y la cultura, que provocan distintos ámbitos para distintos públicos.

Hay teorías que distinguen entre el arte de las elites sociales, el arte popular y el arte de las masas. Acerca de estos datos hay muchos centros de investigación, y una bibliografía inabarcable, porque sobre gustos hay mucho escrito.

Esta clasificación tripartita varía en función de parámetros como la tradición, el conocimiento o la información. La elección de cada cual dependerá de su propia experiencia, que viene marcada por el el estudio, el conocimiento, la libertad de miras e, incluso, el tiempo libre. El acceso a determinados ámbitos no es fácil sin medios, y los compradores de bienes culturales suelen tener un amplio poder adquisitivo; pero eso no es óbice para que quien tenga verdadero interés pueda disfrutar las obras, por muy elitistas que parezcan.

A lo largo de la historia, las clases altas han configurado la evolución del arte. Los sectores más privilegiados -aristocracia, Iglesia, burguesía ilustrada...- fueron los principales promotores de la alta cultura. El problema es que ese elitismo se viste demasiadas veces de esnobismo. En el siglo XX, los grupos culturales cedieron terreno frente a la cultura de las masas, mejorando el acceso al arte. Sin embargo, eso derivó primero en el 'todo vale' y después en las estrategias de mercadotecnia, que se nutren de la belleza fácil, el gusto 'kitsch', las mitificaciones, los engaños y el consumismo, tratando de mantener intactas las barreras entre unos y otros, a base de 'glamour'. Aunque nos pese, eso ocurre frecuentemente en el arte contemporáneo, donde las limitaciones de conocimiento de muchos espectadores son aprovechadas como vía de distinción social por otros que, a veces, tampoco tienen nada que decir.

Es preciso romper el confinamiento; acercarse al público con garantías, sin rasgarse las vestiduras, respetando las opiniones y, si es preciso, rebatiéndolas, siempre con argumentos válidos; facilitar las verdades de la actualidad creativa, fomentando el interés de profesionales, noveles, niños y adultos por el arte contemporáneo. Y para eso, sin duda, lo mejor es impulsar el acercamiento direto al arte y los artistas.

En Asturias hay algunas entidades que llevan años tratando de proyectar públicamente el arte actual y los proyectos interdisciplinares, a través de procesos creativos más o menos certeros. Pero, por desgracia, cada vez cuentan con menores apoyos políticos.

Algunos responsables de la Consejería de Cultura reconocían recientemente que su proyecto ‘Laboral Centro de Arte y Creación Industrial’ no debe ser incompatible con la promoción cultural de otras actividades. Pero parece que sí lo es. Laboral, sin duda, consume un presupuesto muy importante para Asturias, aunque lógicamente su directora, Rosina Gómez-Baeza, reclama más dinero para el centro.

Hasta hace poco, los jóvenes gozaban de la lanzadera institucional de la Muestra de Artes Plásticas del Principado, que ha perdido bastante fuelle en los dos últimos años. O del Instituto de la Juventud, que defiende el arte emergente pero está en horas bajas porque depende directamente de las promociones culturales del gobierno regional. Lo mismo ocurre con otras instituciones públicas (fundaciones, casas de cultura, museos...) y privadas (galerías, asociaciones...) muy válidas, que defienden aisladamente el arte de nuestro tiempo. Por ejemplo, el Museo Barjola, dependiente de la Consejería de Cultura. Con un presupuesto irrisorio trata de conservar el legado del pintor y desarrollar su interesante programa de exposiciones temporales. La tarea de ciertos profesionales está manteniendo estos logros, colaborando mano a mano con los artistas y agentes de la región, que, afortunadamente, se arreglan sin el aplauso político o el regidor de turno.

La modestia presupuestaria de esas vías de difusión y los agravios comparativos contrastan con esa manida defensa del arte actual, la industria y la formación que defiende el gobierno de una región donde, para colmo, se ha reducido drásticamente la enseñanza artística.

Mirar el presente y el futuro de la creación no es incompatible con el respeto al pasado, la mejora de caminos ya abiertos, y el apoyo ainiciativas que, con entusiasmo y cordura, demuestran que lo bien hecho, bien parece. No es lógico soñar con utopías internacionales si no somos capaces de cuidar las realidades más cercanas. Lejos de veleidades, chauvinismos o localismos, lo cierto es que necesitamos menos ‘glamour’, menos decorados y más garantías de trabajo.

Con el paréntesis de AlNorte, que debo seguir considerado un oasis de calidad y compromiso donde todos dieron la talla, vamos a hacer un breve balance del arte asturiano en 2007. Un año en el que de nuevo las instituciones, pese a lo que aparentan, no dieron la talla. Los artistas independientes y las galerías privadas siguen siendo el motor de nuestro circuito. Una vez más, primaron los esfuerzos de las entidades y los artistas verdaderamente independientes.

Mención aparte merece el nuevo centro de arte actual y creación industrial Laboral, que inició su andadura en marzo, bajo la dirección de Rosina Gómez-Baeza. La carrera preelectoral y el proyecto global Ciudad de la Cultura aceleraron el arranque del centro, a falta de un organigrama más completo, con la evidente carencia de puestos y proyectos que, poco a poco, se están sumando a su incipiente equipo. Eso derivó en una programación con altibajos. El espacio gijonés, obligado a articular su arriesgada justificación conceptual con un buen diálogo generacional y con excelentes calidades, asumiendo pasado, presente, patrimonio industrial y realidad laboral, aún no ha orientado esos objetivos ni conformado un buen entorno de trabajo. Tampoco ha descubierto valores ni se está consolidando nacional e internacionalmente. Su esfuerzo presupuestario, no obstante, le ha permitido organizar iniciativas de interés, como la exposición inaugural ‘Feedback’, que se acompañó con otros destellos más lúdicos y algunas obras destacables, dentro de su amalgama de propuestas monográficas y colectivas. El gobierno regional derivó hacia allí el grueso económico de su departamento de promoción cultural, desatendiendo otros programa ya consolidados que funcionaban perfectamente.

Se salvó el Museo Barjola que, pese a las dificultades, mantiene una sólida programación. En la Capilla de la Trinidad abrieron y cerraron año dos de sus becarios (Gema y Luis Ramos, en enero; Tadanori Yamaguchi, en diciembre) y presentando varias propuestas monográficas muy potentes, como las de Martín Chirino, Ramón Masats o ‘Sights for now’. En el resto de los programas institucionales (Ayuntamiento de Gijón, Cajastur...) hubo excesivo peso político-promocional, y sus mejores apuestas precisaron apoyos foráneos (Gutiérrez Solana en el Museo Piñole, ‘Entre Arte II’ en el Palacio Revillagigedo). La sala Banco Herrero (Oviedo), el CMAE (Avilés), el Museo Antón (Candás) y la Fundación-Museo Evaristo Valle (Gijón) trajeron algunas propuestas de interés.

En una temporada mutilada de certámenes, tras la desaparición (esperemos que parcial) de la Bienal Nacional La Carbonera, destacó la cuarta edición del Premio Internacional de Pintura de la Fundación Laboral de la Construcción, expuesto en varios espacios regionales. También fueron intensas las aventuras desarrolladas por pequeños grupos de artistas de las Escuelas de Arte (Avilés y Oviedo) o del Espacio de Creación y Didáctica, en Gijón.

Las individualidades más sorprendentes del año fueron jóvenes como Santiago Lara o el citado Yamaguchi, que en un quehacer febril ofrecieron tres magníficas exposiciones cada uno. Pero, como decía, fueron las galerías quienes sostuvieron el peso específico de la temporada. A destacar especialmente, algunas muestras de Altamira (Raquel Mora, Vicente Pastor), Amaga (Guillermo Simón, Encarnación Domingo), Cornión (Amancio, Fernando Peláez, Ramón Prendes, Javier Victorero), Dasto (Luis Lanzas, José Paredes), Durero (Laura Blanco, Reyes Diaz, Ramón Isidoro, Marcos Morilla, Gabriel Truán), Espacio Líquido (Miguel Galano, Eelco Brand), Gema Llamazares (Elías, Kely, Ciria), Nogal, (Juan Fernández Alava, Saura), Van Dyck (Alejandro Mieres, Farreras) o Vértice (María Álvarez, Gil Morán, Eugenio López, Bernardo Sanjurjo). Al margen, seminarios, festivales y alternativas para todos los gustos.

Importante fue el crecimiento de la nómina de asturianos que vez se mueven más y mejor fuera de aquí. Carlos Coronas, José Ferrero, Luis Fega, Ernesto Knörr, Pelayo Ortega o Javier Riera, entre otros, presentaron excelentes exposiciones en espacios foráneos, ganándose el apoyo y el respeto de la crítica nacional. La creatividad de nuestros artistas sigue siendo mucho más productiva que la de nuestros gestores.

En cuanto a AlNorte, lo dicho. Brillaron Cristina Ferrández, Eduardo Guerra, Carmen González, Lara+Coto y Silvia Lerín en sus envites. Todos ellos, por cierto, han empezado 2008 con proyectos. Los más inmediatos, Ferrández en la Casa de Cultura de Avilés, Guerra en Espacio Líquido (Gijón) y Lerín en Escuelas Dorado de Sama de Langreo. Esta semana inauguran.

Camino Valdediós, cuando amanece, hay una suave bruma cubriendo el valle. Esconde ese halo mágico y misterioso del paisaje asturiano. Silencio, sabores a yerba y madera escarchada. Se diría que el valle está vacío, si no fuese por la intensa balada de los pájaros que despiertan al alba. El Conventín anuncia un tiempo detenido, donde piedras y musgo comparten mil vivencias, susurrando secretos. En el río pululan cánticos ancestrales porque, para la xana, tampoco corre el tiempo.

Al alba

Desde hace treinta inviernos, a estas horas, los pájaros se reúnen en un pequeño bosque, cada vez más espeso, saludando a su amigo de barba blanca. Puntual a esta cita, les observa tras los prismáticos, con su semblante serio y su tierna mirada. Después, cuando el sol ya calienta las paredes de casa, la mujer sonriente se incorpora al paseo, y juntos ponen nombres a las flores, árboles y bambúes, fundiéndose un poco más que ayer con la tierra que pisan. El suelo del pequeño bosque huele a familia, a trabajo, a acero y óleo, a libros, a amigos y champán, a vida y fuego. Allí sentimos que no importan otros bienes inútiles. Y comprendemos muchas cosas.

Los días

Reflexión, humanidad, naturaleza. Los días trascurren en el pequeño bosque tras la estela de estos conceptos. Camín estudia el espíritu de la naturaleza relacionándose con su materia, indagando los porqués de las composiciones. La analiza una y otra vez, porque la respeta y la ama. Ella responde con agrado, dejándose contemplar, mientras traduce a lenguajes plásticos el bosque del que nace.

El espacio está vivo. La fibra vegetal es el germen, la idea. Miniaturas de papel se amontonan en los rincones de la casa. Afuera, entre castaños, robles, cerezos, nogales o cipreses surgen hierros, aceros y maderas talladas, envueltas en la hiedra, como curiosas plantas transformadas a partir del diálogo, génesis de largas charlas entre materia y hombre. Origen común, principio de los tiempos. La exposición (revelarse, arriesgarse...) vendrá más adelante. También la integración arquitectónica. Reflexión, humanidad, naturaleza.

Ilusiones

No agotó la pintura. Sabe que la belleza puede hallarse en todos los medios si se aprende a buscar. Y él ya sabe buscar, pero quiere seguir aprendiendo. Antes eran los grises y los ocres, la síntesis mate de vivencias fabriles y urbanas, gasómetros, pequeñas figuras, algunos valles; retratos íntimos, seres cercanos. Ahora, en la vieja panera, la atracción de lo agreste, la sorpresa de encontrar un paisaje vacío, despoblado, rebelde. Necesidad de proyectarse otra vez hacia el plano. El contraste cromático, textura vigorosa que ilumina el soporte sugieriendo fuerza y volumen. De la pintura a la escultura. De la escultura a la pintura. Transparencia de gestos. Leves insinuaciones de un retorno anunciado.

La noche

En el pequeño bosque, entre tanto ramaje, apenas se aprecian las estrellas. Hay que salir al camino para contemplarlas. Ya se han ido los pájaros del alba, pero llegan lechuzas y grillos a animar la velada. A la hora del regreso nos movemos despacio, entre guiños nocturnos, para salir del paraíso. Sombras de Pueblos, Cuñas, Ondas, Afuera y Siempre nos despiden, con sus relieves pulidos por la gubia. Síntesis y principio del volumen. Un angular sonriente, oxidándose bajo un discreto orbayu, consumiendo sus días.

Luna llena. Desde El Pedrosu, decenas de luces ya han encendido el valle. Salvo el pequeño bosque que, en la distancia, aún es mancha frondosa y oscura.

Camín y Valdediós ya duermen.

Estoy en Madrid, desconectando de AlNorte. Las fiestas se acercan y, aunque no me gusta la Navidad (quiero decir como "invento" mediático, no por nada, digamos que me deprime un poco, supongo que es normal) soy un fan incondicional de mi familia y lo llevo muy bien. Porque, amigos/as, cuando uno tiene una familia que merece la pena, comparte cualquier cosa, incluso el turrón duro, macabro invento pro-lucro-de-dentistas.

En AlNorte aprendí mucho. Es lo que tiene la cosa: educar para comunicar; comunicar educando. A mi el primero porque, de no ser así, ¿tendría sentido organizar tanta movida?. No, por cierto. Aunque le he quitado el sonido al móvil, aún suena su absurda música en mi cabeza, reactivando el agotamiento que provocó una semanita que, cada jornada, abría y cerraba actividades, sin tregua. Después, entre el día y la noche, pudimos constatar la valía de los esfuerzos. En directo, sin intermediarios, fronteras ni límites, entre la camaradería y la amistad, comprendiendo que la palabra ‘mañana’ no tiene mucho sentido.

Pues eso, que nunca te acostarás sin saber una cosa más. Por ejemplo, ¿cómo se relaja la mente tras cada jornada y se suman fuerzas sin emplear estimulantes? ¿cómo comenzar el día con el mismo entusiasmo de ayer, sin apenas dormir?

Tengo la solución. Y me la dieron (¡cómo no!) los nuevos becarios de esta edición. Por eso, entre otras cosas, insisto en mis elogios. Que vivan los encuentros generacionales. Hay que "CHAPAR", queridos amigos/as. Cerrarse a los problemas y escuchar la música, el aire o los sonidos del silencio, esos que homenajeaban Simon&Garfunkel cuando tenían pelo. "CHAPAR" y no sufrir. "CHAPAR" y entender mejor la esencia de las cosas. "Chapemos", pues, hasta después de las fiestas.

Y felices idem para todos...